Bonjour, de Julián Marcove

Ficha técnica:
Actúan Antonio Bax, Mónica Driollet, María Emilia Ladogana, Miguel Sorrentino y Christian de Miguel. Escenografía Félix Padrón. Vestuario Nadia Sandrone. Asistencia de vestuario Sofía Giacomucci. Coreografía Noelia Leonzio. Texto y dirección Julián Marcove.
Espacio Nün teatro bar. Domingos 21 hs.

La rutina de una joven pareja, ella, escritora (María Emilia Ladogana) y él, oficinista en ascenso (Miguel Sorrentino) amenaza sus existencias. Ni siquiera la posibilidad de mudarse o las desopilantes visitas de los suegros, despiertan algún deseo que la haga sentir viva. Hasta que sucede lo imprevisto, algo maravilloso que irrumpe en la vida cotidiana y desacomoda las certidumbres.
Paris puede estar a un golpe de vista y su halo romántico envuelve la vida de la joven escritora creando una realidad paralela.
"Bonjour" es un saludo, un deseo de que cada día sea lo mejor posible y que el día a día deje una rendija para que se filtre, como un extraño visitante, la ilusión de lo diferente.
 En tono de comedia, la dramaturgia y la dirección de Julián Marcove transita por diferentes estados, desde la actuación minimalista hasta la explosión de la pareja conformada por Mónica Driollet y Antonio Bax. Su interacción divierte y asombra, al romper con los estereotipos propios de su situación, dominando escenas brillantes como las del baile.
   

Agón (o la guerra de los dioses olímpicos en la calle Venezuela)

Ficha técnica:
Intérpretes: Sol Altare, Pablo Brignoccoli, Clara Carrera, Rocío Chaparro, Jimena Coppolino, José Ignacio Del Vecchio, Carolina Fernández Kostoff, María Eugenia González Choque, Guillermina Granados, Nabila Jatib, Daniela Nuñez, Sofía Posse, Esteban Real, Katia Schenk, Claudio Yanes. Coreografía: Leandro Dumón. Maquillaje: Maiana Vega. Operación de retroproyector: Eugenia González Choque. Operación de video: Jimena Zaidman. Diseño de iluminación: Florencia Carboni. Diseño Audiovisual: Leandro Dumón - Jimena Zaidman. Escenografía y vestuario: Julia Camejo. Diseño sonoro: Pedro Donnerstag. Supervisión dramatúrgica: Sol Rodríguez Seoane. Asistencia de dirección: Sabrina Dana - Carolina Zumarán. Dirección: Federico Aguilar


Domingos 20:30 en Venezuela 2587.

Si usted, transeúnte distraído, un domingo al anochecer pasa por la calle Venezuela y observa rayos multicolores que salen de la sede de la UNA, no lo dude: ingrese y asistirá a un espectáculo inusual y, como si esto fuera poco, será partícipe de una contienda entre dioses y héroes (sin olvidar a las diosas y heroínas, por supuesto)
Se sorprenderá por la variedad de recursos escénicos desplegados, frutos del cráneo candente de su director, Federico Aguilar.
Oirá historias de vida, cual micro-bio-dramas de los actores y actrices que participarán de la posterior reyerta; cual site-specific, en la misma universidad en la que estudiaron y en la que se gradúan con este proyecto, rodeados de objetos cuyo simbolismo le explicarán de forma casi personalizada, apelarán a su empatía de manera efectiva.
Para entrar en clima, podrá degustar un báquico néctar (léase vino) y recorrer una instalación en la que se sentirá como en un museo griego.
Pero el plato fuerte viene después, cuando da comienzo al agón, la batalla verbal donde usted, sí, decidirá quién es el vencedor. El agón consistía en una parte central de la tragedia griega, ya que allí los personajes dirimían sus posiciones mediante una lucha verbal. Ya sea con hábiles argumentos, ya sea con conmoverdoras fábulas, exponían las peripecias de sus vidas, justificaban sus crímenes así como sus actos de arrojo o cobardía. El coro comentaba y tomaba posición. Aquí también lo hará, pero la última palabra, el voto consagratorio que otorgue el triunfo o la derrota, está en la mano levantada del espectador. Verá desfilar dioses terribles, héroes atormentados, heroínas inocentes, árbitros desopilantes y ud. decidirá quién sigue en carrera o quien cae fulminado por la derrota. Obra performática y relacional, ofrece combinaciones múltiples, según el veredicto del público soberano. Hay diversión asegurada, variedad de estados de ánimo, de formas teatrales tradicionales y contemporáneas, sorprendentes imágenes proyectadas, como parte de un trabajo de conjunto entre el ya mentado director, la tejedora de historias Sol Rodríguez Seoane, los diseñadores de video, vestuario, plano sonoro, maquillaje, coreografía, asistencia de dirección, y muy especialmente, los actores y actrices que, sin duda, han ganado la madre de todas las batallas: conquistar al público.

Las mutaciones Dirección de Lorena Ballestrero. Texto de Valeria Correa

Los jueves a las 21 hs, en el Teatro del Abasto habrá función y allí se representará Las mutaciones. Escribo en futuro, porque es imposible no coincidir con Borges en que "El porvenir es tan irrevocable / como el rígido ayer", el comienzo de su poema Para una versión del I King.

Más conocido como I Ching, o El libro de las mutaciones, en sus páginas, el que sepa leer, encontrará la suma de su pasado y su futuro. Una suma que surge del azar, al arrojar las monedas y consultar el resultado de sus líneas.

Azar, destino: dos ejes que aparecen con frecuencia en los cuentos y poemas de Borges. ¿Son términos contradictorios? Pero ¿acaso la contradicción no rige las relaciones humanas? ¿las mutaciones no son ineluctables en los vínculos amorosos?

Organizada azarosamente, según los principios del I Ching, Las mutaciones de Valeria Correa, presenta situaciones en forma fragmentada, cuyo orden se repetirá (o quizás, no) en cada función, porque ese es el destino del teatro. Fragmentos de una relación amorosa que conoció tiempos mejores, interpretada por Lorena Vega y Leonardo Murúa. Dos amantes en crisis viajan para recomponer la relación gastada.

 Para resucitar la magia de los primeros instantes de la pareja, juegan en un dispositivo escénico que muta constantemente, en diversas y casi infinitas posibilidades. La música, compuesta especialmente por Pablo Bronzini, acompaña las situaciones y las recorta, así como la iluminación, diseñada por Ricardo Sica.

Una puesta en escena de Lorena Ballestrero que exige y logra una precisión casi matemática, pero sin descuidar los matices de las cambiantes emociones por las que atraviesan los personajes.

El minimalismo escénico contribuye a esquivar cualquier atisbo melodramático y nos convierte en observadores imparciales, más que de dos singularidades, de la calidad de los vínculos amorosos. 

 

DIOS TENÍA ALGO GUARDADO PARA NOSOTROS, de Maruja Bustamante

Dramaturgia: Maruja Bustamante

Intérpretes: Bárbara Massó, Gonzalo Pastrana y Gael Policano Rossi

Vestuario: Grupo Capicúa, Mónica Bellusci

Iluminación: Rocío Caliri

Video: Laura Castro

Fotografía: Lucho Lomastro

Asistente de producción: Lucas Sánchez

Asistente de dirección: Nubecita Vargas

Producción: Lucho Lomastro

Dirección: Maruja Bustamante

Sábados de febrero y marzo, 21 hs, en la sala Cancha del Centro Cultural Ricardo Rojas.









Hay en la obra un aire a reconstrucción, pero no de un crimen, sino del misterio de toda relación amorosa. Una relación, cualquier relación, entre los géneros que se quiera. Su prometedora fase de inicio, la meseta de la concreción y la casi ineluctable ruptura final. Afortunadamente, Maruja Bustamante nos presenta los acontecimientos sin seguir este orden en la narrativa escénica, sino que, a modo de fragmentos de un mosaico que sólo un tercer personaje -una suerte de demiurgo, un conector- parece poder reconstruir y exhibir. Según la lógica del amor, la relación entre Cristal y Mateo, al tiempo que progresa, parece ir entibiándose y preanunciar la disolución.

Los tres actores utilizan un modo de actuación presentativo, dirigiéndose -la mayor parte del tiempo- frontalmente a los espectadores, lo que resulta un gran desafío que resuelven con solvencia. La composición de Bárbara Massó se destaca, por sus propias características actorales, mediante la sutileza y los matices que recorre en los cambiantes estados de ánimo que requiere la construcción del personaje de Cristal, un profesionalismo que ya apreciamos en Pollera-pantalón, junto a Lucas Lagré.

Uno de los componentes más interesantes de la puesta en escena es el imaginario visual, entrecruzando la pintura, el collage y hasta el rompecabezas, y que acompaña a la palabra, al gesto y al movimiento sin ser literal. Imágenes que van surgiendo, del cuerpo de los actores, y que se transforman, se tapan, en la gran hoja en blanco del espacio escenográfico. Quizás como una metáfora de la existencia, traduce en signos, formas, colores, los estados de ánimo, los sueños, los temores, las imágenes poéticas del devenir, cuando la palabra como sistema significane no alcanza a decirlo todo. Como los poemas de Cristal, o los de la misteriosa, admirada y odiada Floriana.

Dios tenía algo guardado para nosotros, evita los estereotipos del género, y lo trasciende. Indaga sobre las disimetrías en toda relación humana en clave poética y con fresco sentido del humor.

Lecturas recomendadas:

Fragmentos de un discurso amoroso, de Roland Barthes

El amor líquido, de Zygmunt Bauman

Reescribir la picaresca: sobre Rinconete y Cortadillo de Cervantes, de Luis Cano

Ficha técnica

Pedro Rincón José Luis Arias
Diego Cortado Iván Moschner

Iluminación Ricardo Sica
Vestuario Silvina Apfelmann
Tratamiento sonoro Federico Marrale
Asesoramiento vocal Patricia Douce
Colaboración artística Tian Brass, Diego Starosta
Fotografía Eunice Rozkiewicz
Programa y calcomanías Laura Rovito
Afiche y volantes Marcos Murano

Prensa CCEBA Armando Camino

Producción CCEBA Almudena Javares Francisco
Director CCEBA Ricardo Ramón Jarne
Producción TNC Daniela Szlak
Asistencia TNC Mónica Quevedo
Pre producción Lucila Piffer
Producción ejecutiva Brenda Howlin
Asistencia de dirección Ayelén Duniec
Texto y dirección: Luis Cano

Teatro Nacional Cervantes

Rinconete y Cortadillo se estrenó en el marco de un ciclo de teatro semimontado, como homenaje por los cuatrocientos años de la publicación de las Novelas Ejemplares de Cervantes; en todos los casos, se ha realizado la transposición de las novelas a la escena. Además, cada dramaturgo reescribió el texto de Cervantes que eligió para montar.

Esta doble operación (transposición + reescritura) obtuvo como resultado piezas singulares, sin perder el sello del universo cervantino, que excede el límite del corpus de las Novelas Ejemplares.

¿Cómo no asociar los aventureros Rinconete y Cortadillo con algún pasaje o personaje de El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha, la novela que marcó el rumbo de la narrativa en lengua española? Caminos, rutas, pueblos, ciudades recorridos por este personaje, en los que pululaban seres marginales, siempre dispuestos al engaño, al robo y a la estafa: los pícaros, que dieron su nombre a un género literario que emergió en un momento y un espacio determinado (España, siglo XVII) y que se extendió a casi todas las literaturas europeas y latinoamericanas.

En la reescritura de Luis Cano, todos los personajes de la novela cervantina quedan concentrados en los dos protagonistas, un desafío que los actores José Luis Arias e Iván Moschner resuelven con gran plasticidad y eficacia. Sus cuerpos, sus voces, devienen en muchos otros, mediante una configuración espectacular en la que domina con firmeza la actuación por sobre cualquier otro elemento teatral. No es la única síntesis operada: los diferentes espacios recorridos, los objetos, los accesorios, los sonidos, también son recreados por obra y arte de la actuación, que funciona como una gran sinécdoque de la escena. Al mismo tiempo, construye nuevas y propias convenciones: ni los que asumen el rol de Rinconete y Cortadillo son adolescentes, ni visten pobremente. Ni hace falta, ya que los tópicos centrales de la picaresca en tanto género -el hambre, la marginalidad, el desamparo- atraviesan el mundo de la escena y nos afectan en tanto espectadores.

Unos cambios de colores en las luces, un breve corte musical, y estos inmensos actores nos transportan a un universo que sólo advertimos de soslayo, cuando transitamos por cualquier gran ciudad. La España del hace cuatro siglos se transporta a un barrio periférico de la ciudad de Buenos Aires actual. Los que duermen donde se puede, los que comen de salteado, los que roban para, apenas, sobrevivir. El mundo del hampa organizado, con sus jefes y sus "códigos", el sexo que se intercambia por una moneda. Todo está allí, en ese pequeño rectángulo de la escena. Los personajes corren, siempre van escapando, pero lo que dejan atrás es demasiado parecido a lo que vendrá.

Rinconete y Cortadillo, o Rincón y Cortado están atrapados por una realidad que convive e interactúa desde el margen con muchas otras. Por más vueltas que le den, no pueden atravesar las barreras sociales. Sus hábitos, su registro lingüístico, las marcas de su historia de exclusión siguen funciondo como trampas hacia las que van en línea recta a su perdición.

Si el personaje teatral se define por el lenguaje, los Rinconete y Cortadillo de Luis Cano horadan la superficie del lenguaje hasta llegar a sus vísceras, casi siempre vacías de alimento. Y el hambre no es sólo de comida.

Tránsito desde una novela ejemplar, cuyo fin era entretener al tiempo que advertir sobre los vicios y peligros, a un espectáculo que, más allá de indagar en las dolorosas zonas de la marginalidad contemporánea, nos ofrece una lección de teatro.

Shopping & Fucking, de Mark Ravenhill

Ficha técnica

Autor: Mark Ravenhill

Traducción: Rafael Spregelburd

Actúan: Daniel Toppino, Luciano Ricio, Lucas Lagré, Alfredo Urquiza y Mjaría Milessi.

Asistentes de dirección: Julieta Cajg y Mathías Sassone

Diseño de espacio y escenografía: Santiago Badillo

Diseño lumínico: Julio López

Diseño de vestuario: Merlina Molina Castaño

Diseño sonoro y música original: Fernando Sayago

Diseño de video: Santiago Badillo y Mariano Stolkiner

Realización de video: Juma producciones

Actores en video: Mathías Sassone y Mariano Stolkiner

Fotografía: Guido Piotrkowski

Producción general: El balcón de Mersault

Dirección: Mariano Stolkiner

Espacio: El Extranjero

Una dramaturgia potente y descarnada encuentra bajo la dirección de Mariano Stolkiner su acabada realización escénica. Yendo más lejos respecto de los límites de lo representable que en su puesta en escena de Cleansed, de Sarah Kane (2008), construye aquí una síntesis de códigos escénicos que ponen la actuación en primerísimo plano. Nada distrae de la intensidad del acontecimiento que generan los actores, ni siquiera la narración descarnada.

Cuatro seres que intentan sobrevivir en un territorio desangelado, hasta que un extraño personaje parece solucionar los problemas económicos de dos de los más jóvenes. La lógica del intercambio funciona como el principio dominante en una serie de secuencias, la mayoría de las cuales son contractuales, en todos los ámbitos de la vida, aún en el sentimental. Uno de los jóvenes quiebra la Ley del intercambio, regala una felicidad efímera bajo la forma de pastillas y el sistema se desestabiliza. No hay lugar para el don (lo que se da, sin esperar nada a cambio) y el error deberá ser subsanado.  Los videos muestran, por un lado, lo que se puede esperar, en una estética gore, y por otro, la producción del arte como una consecuencia del sistema cuyas leyes resultan inquebrantables.

Con mínimos accesorios, cada uno sintetiza el marco en el que despliega la ferocidad  del mundo capitalista, como la bandeja de comida, cuyo formato impide que se la pueda compartir. El color velado, grisáceo, aún las manchas rojas que aparecen diseminadas, como si se hubiera querido borrar los rastros de una carnicería anterior; el shopping, ese espacio de deseo, miniaturizado mediante una cortina de baño, son algunos de los índices de un espacio deshumanizado, una selva en la que la lucha por la supervivencia ahoga todo tipo de sentimiento. El mundo que plantea Ravenhill lleva a sus personajes al límite, los reduce a cuerpos cuyo único valor es el de la transacción sexual o la fuerza de trabajo. La pantalla del televisor, amplificada en los videos, no hace más que recordarlo. 
El trabajo de los actores es de una alta exigencia, al sostener esa tensión que proyecta la lucha por la vida, o al menos, algo que intenta parecérsele. Es otro logro de la dirección mantener ese ritmo, sin crispaciones ni estereotipos, que bordea entre la marginalidad y al mismo tiempo, la generalidad de cada uno de ellos. 

Aviones enterrados en la playa, de Luis Cano

Foto Paola Toriano

Ficha técnica

Actúan: Federico González Bethencourt, Francisco Grassi, Leonardo Murúa, Román Lamas y Mauricio Minetti.

Diseño de iluminación: Ricardo Sica

Música: Federico Marrale

Escenografía y vestuario: Luna Rosato

Asistencia de dirección: Micaela Picarelli

Dramaturgia y dirección: Luis Cano

Espacio: No Avestruz

La playa es un territorio liminar: no es tierra firme, está continuamente acechada por el mar. Esa zona de inestabilidad será el espacio elegido por Luis Cano para que los personajes desplieguen su mundo poético, donde las rocas pueden ser moldes de zapatos y una mesa se erige como el muelle, desde el cual un pescador intentará que un desconocido rompa el silencio que lo ahoga. Su estrategia consistirá en narrar lo que parece ser una historia, que al tiempo que se despliega en el discurso, se presenta escénicamente.

El muchacho, que en un tiempo se había asumido como “cuidador de la playa”, ahora ha abandonado esa tarea. Un delfín agoniza, y su pedido de auxilio no es oído, como tampoco lo es el fantasma del padre, que clama su nombre.

Más que una historia, son instantes en los que el imaginario de Luis Cano recala en las orillas del lenguaje poético, transportando el misterio del mar al escenario. La magia de las palabras enunciadas por los actores, los sonidos -que sin ser referenciales- recrean el rumor del viento y de las olas, invita a admirar ese enigma de la naturaleza y a recordar las mismas preguntas, acerca de los secretos se esconden debajo del mar o lo que puede arrojar a la playa, es decir, la experiencia de la inmensidad frente a nuestra propia finitud. Como una epifanía, la historia del muchacho de la playa, de su padre y del delfín, habilita el relato obturado del forastero, que estalla en palabras y sensaciones.

Todas las voces confluirán en una misma canción, disolviendo las individualidades, en una comunión entre los hombres y su entorno.

Esta obra obtuvo el Premio ARTEI a la Producción de Teatro Independiente 14º aniversario, otorgado por la Asociación Argentina del Teatro Independiente. Jurado integrado por Alicia Leloutre, Berta Goldemberg y Roberto Perinelli.

Ojos verdes, de Amancay Espíndola. Dirección de Ana Alvarado

Actúan: Estela Garelli y María Zubiri
Dirección: Ana Alvarado
Arte en video: Silvia Maldini
Vestuario: Rosana Bárcena
Iluminación: Facundo Estol
Puesta tecnológica: Gabriel Gendin
Asistente de dirección: Guadalupe Lanusse
Espacio: Teatro El Extranjero. Valentín Gómez 3378


Las primeras sensaciones que despierta la escena son las de despojamiento y oclusión: un espacio escénico de pequeñas dimensiones, el fondo negro, un banco de madera, dos mujeres. Pero a poco tiempo de comenzar, el minimalismo va dejando paso a la infinita complejidad del mundo femenino. Lo mismo que sucede con la materialidad escénica, ocurre con la fábula: lo que comienza siendo un encuentro casual en una estación ferroviaria se abre a una multiplicidad de interpretaciones, de nudos que traman otras tantas redes de significancia. Un tren que se demora –no podemos dejar de asociar con la espera de Godot- instala a las mujeres en una zona de expectación atravesada por la incertidumbre.
Los diálogos y situaciones desbordan permanentemente el realismo y por momentos, el costumbrismo, en un delicado equilibrio que las actrices manejan con gran ductilidad. Siempre en escena, atrapadas en una estación de ficción, además se exponen en la cercanía respecto de los espectadores. Un riesgo actoral que sortean airosamente, mediante una actuación cargada de matices, tonos, gestos y miradas que sugieren un misterio que la palabra oculta, o revela sólo a medias.
El espacio sonoro amplifica la ambigüedad tanto como las proyecciones: casas que desaparecen, fugaces visiones de animales salvajes, imágenes informes, van construyendo un mundo paralelo al de la vida cotidiana. Los planos visuales y auditivos cobran autonomía, al mismo tiempo que tensionan el orden de la ficción, imponiendo su propia legalidad. Alcira (Estela Garelli) y Stella (María Zubiri) oscilan entre ambos universos, se aferran a los bordes por momentos, y en otros, se dejan llevar por una instancia que las supera, hasta esfumar sus identidades. Algo las une (la fascinación por unos ojos verdes) y algo las separa (¿el tiempo?, ¿el espacio? ¿ambos?)
El mundo poético creado por Amancay Espíndola es amplificado por la dirección de Ana Alvarado, construyendo con pericia y sutileza una zona que transita por los recovecos, los pliegues y laberintos de lo femenino.

Índice

Topología de la crítica teatral II

Los trabajos y los días de un artista contemporáneo

22h13 de Pierrick Sorin (Théâtre du Rond Point)

Aunque el nombre del espectáculo nos tienta a establecer una asociación con 4´33´´ de John Cage, según su autor, no tendría nada que ver. La explicación del título por el azar (no sabía qué decir, miró su reloj y dijo la hora) también parece regir el ámbito de la creación artística, según nos presenta a un artista plástico, trabajando en su ámbito cotidiano. Más allá de las ingeniosas creaciones (o re-creaciones) del performer Nicolás Sansier, algunas de las cuales son producto de un juego o de un accidente, las dificultades aparecen a la hora de justificarlas por la escritura, tal como lo exigen los agentes institucionales del arte.
El marchand, los dueños de las galerías, los representantes, son la verdadera pesadilla del artista. Invaden su espacio privado por medio de insistentes mensajes en el contestador telefónico, exigen, apuran, presionan, interrumpen, en fin, se convierten en un verdadero tormento con sus demandas, que, al mismo tiempo, ratifican su estatuto de artista. Cuando aparece la duda, sobre si lo que hace es arte, esas voces se lo corroboran: hablan de contratos, muestras, derechos, bienales, precios.
En fin, la red institucional del arte contemporáneo, afirma que algo es arte si se instala en su circuito, más allá de cualquier duda razonable (hasta del propio artista), de la que la lluvia de colillas de cigarrillos son una buena metáfora.
Con humor y destreza, desnuda la angustia del instante creador, frente a los espectadores. Tecnología mediante, el actor se desdobla en múltiples personajes a lo largo de un día de su vida. La postproducción (Nicolás Bourriaud) funciona como marco y contenido de este espectáculo apasionante.

Ficha técnica
Autor: Pierrick Sorin. Traducción: Thomas Deloos. Intérprete: Nicolás Sansier. Dirección general y de escena Peyo (Pierre Peronnet). Sonido: Frank Morel, David Geffard. Iluminación: Peyo (Pierre Peronnet), Michel Le Borgne. Dirección de video y trucos: Éric Perroys. Edición de video: Karine Pain. Decorados: Cyril Cornillier, Xavier Hervouët. Puesta en escena, escenografía y video: Pierrick Sorin.
Este espectáculo integra el ciclo París/Buenos Aires Tándem 2011, y se presenta en la Sala Casacuberta del Teatro San Martín.

Palabras desusadas

Miércoles 15 de Junio de 2011
Apropósito

Sustantivo masculino. Desusado. Breve pieza teatral de circunstancias. Usado más en plural. Obs.: Procede de la locución adverbial a propósito, con la que se expresa que algo es adecuado u oportuno para lo que se desea o para el fin a que se destina.

“Así, la tragedia Roma libre, de Vittorio Alfieri, inflamaba al público y a los mismos actores con sus alusiones a la libertad y el desprecio por la monarquía. A partir de 1812, siempre a instancias del actor, traductor y adaptador Ambrosio Morante, los sucesos de Mayo y las luchas por la independencia tendrían un homenaje escénico permanente, precedido por elementos paratextuales, como la ejecución de la Marcha Patriótica (el Himno Nacional) al comienzo de cada función, y otros emblemas patrios. En ese año, con la alegoría de su autoría, titulada El 25 de Mayo, hasta los numerosos “*apropósitos* patrióticos”, los acontecimientos centrales de la campaña sanmartiniana, tuvieron visibilidad desde la escena hacia la sociedad, y aún más, a partir de la declaración de la Independencia.” Liliana B. López. Teatro argentino y sociedad (2010).



«Tupac Amaru» de Luis Ambrosio Morante, dirigida por Sacha Barrera Oro (Feria Provincial del Libro 2010, Mendoza; programa «Teatro 200 años después» del Instituto Nacional del Teatro-INT).

Publicado por Susana Anaine el Miércoles 15 de Junio de 2011

Curso de dramaturgia de Mauricio Kartun

III Encuentro de Teatro Universal

La Cátedra de Historia del Teatro Universal III y IV invita al
III Encuentro de Teatro Universal
“Hamlet, hoy y siempre”
Viernes 27 de mayo
French 3614

16 hs. Encuentro con el dramaturgo y director Luis Cano, autor de “Hamlet de William Shakespeare” y otras versiones de Hamlet.

18:30 hs. Encuentro con Eduardo Rinesi, autor de “Política y tragedia” y “Las máscaras de Jano”

El diario de Carmen, de Luis Cano

Ficha técnica:

CARMEN Gaby Ferrero
JUAN Mauricio Minetti
DIRECCIÓN DE VOCES Tian Brass
ESPACIO Luis Cano
REALIZACIÓN ESCENOGRÁFICA Víctor Salvatore
CARPINTERÍA Guillermo Manente
DISEÑO INTERIOR, UTILERÍA Y VESTUARIO Lorena Ballestrero y Laura Rovito
ILUMINACIÓN Mariano Arrigoni
MÚSICA Mega Cisterna Magna
COREOGRAFÍA Luciana Acuña
PIEZAS GRÁFICAS Laura Rovito
ASISTENCIA GENERAL Micaela Piccarelli
DRAMATURGIA Y DIRECCIÓN Luis Cano

EN
elKafka espacio teatral
Lambaré 866
Teléfono: 4862-5439
Jueves 21:00 hs - Desde el 05/05/2011

El diario de Carmen abre a los espectadores un espacio íntimo, tal como lo eran (o son) los diarios así denominados. Pero no en calidad de furtivos voyeurs, espías institucionalizados por la convención teatral: por el contrario, Carmen (Gaby Ferrero) abre su ámbito privado a la mirada ajena, a través de su propia mirada. Construye así una paradoja, al exhibir su escritura –concebida para un uso privado- y su espacio de clausura –una suerte de huis clos voluntario.
En esta delicada tensión entre lo público y lo privado, lo abierto y lo cerrado, Carmen “dialoga” con un hombre, Juan (Mauricio Minetti), quien se va desvaneciendo a medida que transcurre el tiempo. Su estatuto en tanto personaje resulta, por lo menos, ambiguo: podría ser tan sólo un interlocutor imaginado por Carmen, como los confidentes del teatro clásico (su presencia asegura que el protagonista no hable solo), o bien, resume la escasa sociabilidad de Carmen, siendo el único testigo del solipsismo creciente. Juan comienza completando las frases que Carmen deja pendientes, suturando el vacío de los puntos suspensivos materializados en una voz. En esta dinámica de alternancia en el uso de la palabra hablada, toma cuerpo la escritura del diario íntimo, en el que siempre es posible intuir una intención dialógica.
Poner en escena la escritura de un diario íntimo, duplica esa mínima posibilidad de escapar del ensimismamiento, reforzado por algunos objetos (un teléfono desconectado) o el diseño del empapelado que coincide con el vestuario de Carmen, mimetizando el espacio con el personaje, sugiriendo un ámbito mental, más que físico y referencial.
El minimalismo de la escena y situacional potencia el valor de la palabra poética en el despliegue de un ritmo propio, de un imaginario singular, que vuelve, iterativamente, a un momento traumático, a una ausencia inquietante.
La apertura de ese micromundo cerrado en el que lo cotidiano resulta afectado por una pátina de extrañamiento, al mismo tiempo, lo vuelve familiar y reconocible.

HOMENAJE A DAVID VIÑAS EN LA FERIA DEL LIBRO

FACULTAD DE FILOSOFÍA Y LETRAS UNIVERSIDAD DE BUENOS AIRES



INSTITUTO DE ARTES DEL ESPECTÁCULO "DR. RAÚL H. CASTAGNINO"
Director: Dr. Jorge Lurati [Francisco Javier]

Invitamos a los interesados a participar del evento:

TEATRO
V I Ñ A S

Un homenaje al pensador argentino David Viñas [1927-2011], quien como escritor, ensayista y dramaturgo, entrecruzó creativamente historia, política y literatura, leyendo la realidad argentina y latinoamericana desde una singular perspectiva.

Participan los investigadores:
Dr. Francisco Javier, Lic. Ana Seoane, Dra. Liliana López, Prof. Ricardo Sassone
Con la colaboración especial de los actores: Manuel Callau y Alejo García Pintos
Coordinación: Prof. Ricardo Sassone


Organiza: INSTITUTO DE ARTES DEL ESPECTÁCULO | FF Y L/UBA
Comité Organizador: Ana Seoane, Liliana López, María Rosa Petruccelli, Adriana Scheinin, Adriana Carrión, Estela Castronuovo, Daniela Berlante, Ricardo Sassone, Lita Llagostera.


Feria Internacional del Libro de Buenos Aires
Sala Victoria Ocampo
Domingo 24 de abril, 20:30 hs. (en punto).

Amor de Fedra, de Sarah Kane, dirigida por Mariano Stolkiner

Ficha técnica

Actores:

Pablo Cura

Mónica Driollet

Alejo Mango

Flavia Sinsky

Asistente de dirección:

Rodrigo Mujico

Versión y Dirección:

Mariano Stolkiner

En: El extranjero

Fedra es un personaje “clásico”, porque resiste el paso del tiempo, los cambios sociales, las diversas estéticas. Si para los griegos, desde el mito hasta su conversión teatral en el Hipólito de  Eurípides, representaba un  amor enfermizo, bordeando los límites del tabú del incesto, también lo fue para Roma, a través de la tragedia de Séneca.  Aquel propósito cuasi pedagógico, se fue deslizando, durante el siglo “clásico” francés, preludiando la Ilustración, hacia otra problemática: la tensión aparentemente insoluble entre la razón y la pasión. En la obra homónima de Racine, la inclinación de Fedra hacia su hijastro constituye un paradigma, en palabras de Roland Barthes, del Eros-Acontecimiento,

“un amor inmediato, que nace bruscamente, su generación no admite latencia alguna, surge a la manera de un acontecimiento absoluto que se expresa generalmente en un pretérito definido brutal (lo vi, me gustó, etc.)”

Mariano Stolkiner arriesga nuevamente, estrenando a Sarah Kane.(1) Una dramaturgia difícil, porque plantea desafíos permanentes a lo representable, nos enfrenta con lo obsceno –entendido como lo que debe permanecer fuera de la escena, según la antigua ley del decoro-. Pero Sarah Kane coqueteó, durante su breve vida, con lo incómodo (Crave), con la violencia no estetizada (Blasted), con los temas de riesgo (4:48 Psicosis). Por esto mismo, cada estreno de sus piezas en Buenos Aires resulta también un Acontecimiento para la escena, en tanto corre los límites existentes mediante cuidadosos recursos y procedimientos sutiles.

Ambientada en el presente, Amor de Fedra resulta intemporal. El afiche del film La naranja mecánica y el fragmento de espejo en la habitación de Hipólito (Pablo Cura, excelente en los matices de los tonos) lo construyen como personaje, muy distante del casto Hipólito del mito. Alejo Mango se divide en tres personajes de impronta patriarcal (el médico, el sacerdote y el rey), con gran flexibilidad, así como Flavia  Sinsky asume el rol de la ambigua Estrofa.

Y Mónica Driollet es Fedra: sobrepasa el contexto, la actualidad, y se entronca con el mito. Con la pasión que no puede reprimir, el cuerpo atravesado por el deseo de lo prohibido, enferma por el conflicto entre el deber y el querer, va sin frenos hacia la catástrofe.

Las veladuras que imponen las normas sociales, que el lenguaje sostenía en las versiones anteriores, en Kane desaparecen para descorrerse con crudeza, sin filtros. La representación aún sostiene algunos, apelando a recursos tecnológicos o a telas cuya transparencia deja ver lo irrepresentable.

(1)     Recordemos su Cleansed, de la que se ocupó Gerardo Camilletti, en Archivo del blog, 26 de abril de 2008.

(2)      

• Lecturas recomendadas: Roland Bartes, Sobre Racine. 1992, FCE,

Presentación del Cuaderno "Presencia de Vsévolod Meyerhold"

Los investigadores integrantes del Instituto de Artes del Espectáculo de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires se complacen en invitarlos al acto de presentación de una publicación dedicada al estudio de la obra de director ruso Vsévolod Meyerhold. Dicha publicación ha sido editada por el Instituto Nacional de Teatro de la Secretaría de Cultura de la Nación, al que agradecemos especialmente por su generosa contribución.

Se servirá un vino de honor.

Dr. Francisco Javier, Prof. Adriana Scheinin, Lic. Ana Seoane, Lic. María Rosa Petruccelli, Dra. Liliana López, Prof. Lita Llagostera, Lic. Daniela Berlante, Lic. Ricardo Sassone. Prof. Estela Castronuovo, Prof. Adriana Carrión y Lic. Gerardo Camilletti.

12 de Julio de 2010                           Instituto de Artes del Espectáculo

         15 horas                                                   25 de Mayo 217 3er piso, CABA

La imagen fue un fusil llorando, de Julio Molina

¿Qué se siente al ver morir a un hombre? Ante la ejecución de Severino Di Giovanni (foto), hubo disímiles reacciones, entre ellas, la de Roberto Arlt, por entonces cronista del diario El Mundo. Dejó consignada su impresión en una aguafuerte, “He visto morir”, muy diferente a la de otros colegas que presenciaron el mismo hecho, los que, en algunos casos, transitaban el amarillismo o el regodeo morboso.
La mirada arltiana fue el intertexto más fuerte de “La imagen fue un fusil llorando”, texto de Julio Molina, que integra el volumen “La carnicería argentina” (1) . La puesta en escena pone cuerpo a las imágenes poéticas generadas por la palabra, a través de un espacio ominoso, solitario. La cueva del escritor, ante la disyuntiva de narrar una muerte a los que están del otro lado: esos múltiples, indefinidos y anónimos lectores que consumen el diario.


Arlt, cronista policial, convivía a diario con asesinatos y otros crímenes espantosos. Pero esta vez era diferente: se trataba de ser testigo ocular de una ejecución pública, del pasaje de un hombre de la vida a la muerte, ordenado por un Estado que se arrogaba ese derecho. Esa “legalidad”, también está puesta en juego en el discurso arltiano, en cada detalle de una narración que se resiste a sí misma, entrecortada, lacónica. ¿Cómo documentar la barbarie legitimada? ¿Cómo arrancarse esas imágenes de la memoria? ¿Cómo seguir, luego de haber visto, para contar lo indecible?
La política y el teatro se entrecruzan una vez más: la ejecución como espectáculo público; Roberto Arlt que devendrá dramaturgo un año después, con la agrupación Teatro del Pueblo. La teatralización de Julio Molina, que nos hace revivir un hecho histórico, y a un dilema humano irresuelto y conmovedor.

Ficha técnica

Intérprete Gabriel Fernández

Vestuario Mercedes Arturo

Escenomontaje Mario Alfano

Fotografía Tatiana Sandoval

Diseño gráfico Santiago Franzani

Prensa Claudia Mac Auliffe

Area sonora Cecilia López-Manuel Sahores

Area visual Alejandro Le Roux-Ana Laura Urso-

Julio Molina

Iluminación Alejandro Le Roux

Operación técnica Lautaro Graciosi-Hernán Alcaraz

Asistente de dirección Ana Laura Urso

Dramaturgia y puesta en escena Julio Molina

Espacio Teatro del Pueblo

Lecturas recomendadas: Osvaldo Bayer: “Severino Di Giovanni. El idealista de la violencia”, 2009.

[1Volumen que reseñamos en www.territorioteatral.org.ar, Nº 2 (diciembre 2007)

MESA REDONDA SOBRE LA INVESTIGACION EN EL DEPARTAMENTO DE ARTES DRAMATICAS

FERIA DEL LIBRO
MARTES 27 DE ABRIL 11:30 A 13 HS
SALA ADOLFO BIOY CASARES

La trama de la investigación y la práctica teatral
Coordinadora Julia Elena Sagaseta
Participan:
Liliana López
Gerardo Camilletti
Ana Alvarado
Sergio Sabater
Ana Rodríguez
Sandra Torluci
Yamila Volnovich